《艺术的故事》读后感3篇

《艺术的故事》读后感1

　　读了这本书《艺术的故事》后，感觉它为我打开了一个崭新的世界，这也是我们学艺术讨论最多的一个问题——创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新，艺术的风格怎样变化，一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢，不是，它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术来读的。

　　《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅*的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

　　记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是：“这是什么样的轮廓啊！”显然，艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林，他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念，即线描性和绘画性、*面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远，成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中，我们却看到了作者更简洁的手法，他只用构图设计的*面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是，这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点，我们在阅读时将不难发现。

　　本书作者的另一个重要思想，即作者在前言中所交代的一个观点：一方面，在艺术问题的解决上，某个问题的解决方案无论怎样激动人心，都毫无例外的在别处激起了新问题；

　　另一方面，艺术发展在一个方面有什么所得或进步，都必然会在另一个方面有所失，主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因，《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。

　　因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅*而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。

　　西文艺术史的研究，从作为一门学科算起，已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前，主要集中在德语国家，所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初，艺术史研究中出现了一种趋势，即要为艺术史找到一种科学基础，于是学者纷纷把目光转向了心理学，并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何，例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称，就会妨碍人们对侧面像的描绘，要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界，就是这场与知识的破坏力量的斗争，以及要恢复“纯眼”的决心，使艺术从埃及的完全“概念性的”艺术走向了印象主义的完全“知觉性的”艺术。

《艺术的故事》读后感2

　　“我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。”当然，这里的艺术主要指视觉艺术以及雕塑、建筑。

　　艺术是什么？如果只是画画画、塑塑像、编编图案、盖盖房子，那么艺术的起源可以追溯到太古；如果仅把艺术当作用于欣赏需要保护的奢侈品，那么艺术的历史应该并不长。

　　姑且放下这个令人头疼的问题，换个角度，简单的解构已有的被承认的艺术品，从艺术品的基本属性入手。每件艺术品或多或少都有实用性和美，这两种属性我现在认为应该是负相关性的，从原始艺术品到现代艺术品的特征可以佐证。原始艺术的第一标准必然是实用，因为当时的生产力极为低下。以建筑为例，修筑房屋首要的是构筑一个遮风挡雨的休憩之所，然后才会考虑看起来顺不顺眼，即所谓的合不合适。你建的大家一看就喜欢再好不过，但是如果你审美有限，有个窝也凑活。所以就原始艺术而言，实用性是第一属性。

　　原始艺术的实用属性满足两个方面——自然的和超自然的。比如建房躲避自然，雕像祈求神灵。满足超自然的方面，影响深远，至今保留在我们的日常生活中，有趣的是我们还不怎么能知觉。举个例子，如果有人拿着你心爱人的照片，当你面，用剪刀戳照片里的人的眼睛，你会有什么感觉？我会暴怒，我会有一种我心爱人也受伤的感觉，即使我知道那只是照片而已。艺术品能够实现超自然目的的原因，我认为是我们错误的将世界的联系无规律化，似乎只要能建立联系就能影响另一方，无论这种联系有多牵强，长得像能联系，名字一致能联系，拿点原主的东西也能联系，只有想不到没有联系不到。本着这样的精神，原始人创作了艺术史上极为重要的几幅洞穴壁画——西班牙Altamira洞窟里的野牛和法国Lascaux洞穴里的马，他们相信将马和野牛画出来，然后鞭打折磨壁画，外面的马和野牛也会受到影响，以期收获满满。

　　所以，原始艺术家的首要任务，不是作品美不美观，而是作品有不有效。能不能让部落里所有人都认同你与某种东西建立了联系，并且这种联系是经典的，是某种约定俗成下的，是成败与否的关键。情形类似于春节时的春联，春联联系的是美好的愿景，大家约定必须用红纸来写，用其他颜色的纸写就不是春联，就不能建立联系。那么原始艺术家还有创作空间么？有！继续以春联为例，在红纸的基础上，各家可以选择汉字的颜色，一般是金的或黑的，可以选择汉字的字体，楷、隶、行、草······还可以选择背景花纹，在不影响主体字的情况下，选择红纸的花纹，选择空白地方的填充图案等等。每家的春联都能代表各自的审美，而这种审美，就是原始艺术家的创作空间。

　　提起原始艺术，特别是当看到“原始”两字时，总让人联想到长相寒碜，制作简单，恨不得就像《洛书》、《河图》一样几根线就能搞定的东西。这应该能代表原始时期的风格，但绝不能代表原始时期的技艺，原始时期的艺术家用简易的工具足以制作一件自然主义的作品，比如尼日利亚伊费的青铜黑人头像，栩栩如生（这才是栩栩如生和教科书里说某些器皿栩栩如生完全不同）；比如美国西北岸印第安海达部落酋长的房子，刻画的精细程度和《三国立志传三》有一拼。

　　但是为什么我们看到的整体风格显得如此生疏？我们从观念的角度来解释，原始艺术家认为没必要，或者说描绘得太清晰了不利于脑补，构建不了联系；亦或可以从符号的方面入手，墨西哥阿兹特克时代的Tlaloc，就是以响尾蛇作符号拼凑成的，据阿城老师考证，*的饕餮纹，可能是青龙和天极神两大符号重合的产物，符号化的东西无法自然起来，所以长成那样情有可原。

《艺术的故事》读后感3

　　“我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。”当然，这里的艺术主要指视觉艺术以及雕塑、建筑。

　　艺术是什么？如果只是画画画、塑塑像、编编图案、盖盖房子，那么艺术的起源可以追溯到太古；如果仅把艺术当作用于欣赏需要保护的奢侈品，那么艺术的历史应该并不长。

　　姑且放下这个令人头疼的问题，换个角度，简单的解构已有的被承认的艺术品，从艺术品的基本属性入手。每件艺术品或多或少都有实用性和美，这两种属性我现在认为应该是负相关性的，从原始艺术品到现代艺术品的特征可以佐证。原始艺术的第一标准必然是实用，因为当时的生产力极为低下。以建筑为例，修筑房屋首要的是构筑一个遮风挡雨的休憩之所，然后才会考虑看起来顺不顺眼，即所谓的合不合适。你建的大家一看就喜欢再好不过，但是如果你审美有限，有个窝也凑活。所以就原始艺术而言，实用性是第一属性。

　　原始艺术的实用属性满足两个方面——自然的和超自然的。比如建房躲避自然，雕像祈求神灵。满足超自然的方面，影响深远，至今保留在我们的日常生活中，有趣的是我们还不怎么能知觉。举个例子，如果有人拿着你心爱人的照片，当你面，用剪刀戳照片里的人的眼睛，你会有什么感觉？我会暴怒，我会有一种我心爱人也受伤的感觉，即使我知道那只是照片而已。艺术品能够实现超自然目的的原因，我认为是我们错误的将世界的联系无规律化，似乎只要能建立联系就能影响另一方，无论这种联系有多牵强，长得像能联系，名字一致能联系，拿点原主的东西也能联系，只有想不到没有联系不到。本着这样的精神，原始人创作了艺术史上极为重要的几幅洞穴壁画——西班牙Altamira洞窟里的野牛和法国Lascaux洞穴里的马，他们相信将马和野牛画出来，然后鞭打折磨壁画，外面的马和野牛也会受到影响，以期收获满满。

　　所以，原始艺术家的首要任务，不是作品美不美观，而是作品有不有效。能不能让部落里所有人都认同你与某种东西建立了联系，并且这种联系是经典的，是某种约定俗成下的，是成败与否的关键。情形类似于春节时的春联，春联联系的是美好的愿景，大家约定必须用红纸来写，用其他颜色的纸写就不是春联，就不能建立联系。那么原始艺术家还有创作空间么？有！继续以春联为例，在红纸的基础上，各家可以选择汉字的颜色，一般是金的或黑的，可以选择汉字的字体，楷、隶、行、草······还可以选择背景花纹，在不影响主体字的情况下，选择红纸的花纹，选择空白地方的填充图案等等。每家的春联都能代表各自的审美，而这种审美，就是原始艺术家的创作空间。

　　提起原始艺术，特别是当看到“原始”两字时，总让人联想到长相寒碜，制作简单，恨不得就像《洛书》、《河图》一样几根线就能搞定的东西。这应该能代表原始时期的风格，但绝不能代表原始时期的技艺，原始时期的艺术家用简易的工具足以制作一件自然主义的作品，比如尼日利亚伊费的青铜黑人头像，栩栩如生（这才是栩栩如生和教科书里说某些器皿栩栩如生完全不同）；比如美国西北岸印第安海达部落酋长的房子，刻画的精细程度和《三国立志传三》有一拼。但是为什么我们看到的整体风格显得如此生疏？我们从观念的角度来解释，原始艺术家认为没必要，或者说描绘得太清晰了不利于脑补，构建不了联系；亦或可以从符号的方面入手，墨西哥阿兹特克时代的Tlaloc，就是以响尾蛇作符号拼凑成的，据阿城老师考证，*的饕餮纹，可能是青龙和天极神两大符号重合的产物，符号化的东西无法自然起来，所以长成那样情有可原。

《艺术的故事》读后感3篇扩展阅读

《艺术的故事》读后感3篇（扩展1）

——《说话的艺术》读后感3篇

《说话的艺术》读后感1

　　《说话的艺术》介绍了：我国人对于说话的态度，最高的是忘言，但如禅宗“教”人“将嘴挂在墙上”，也还免不了说话。其次是慎言，寡言，讷于言。这三样又有分别：慎言是小心说话，小心说话自然就少说话，少说话少出错儿；寡言是说话少，是一种深沉或贞静的性格或品德；讷于言是说不出话，是一种浑厚诚实的性格或品德。这两种多半是生成的。第三是修辞或辞令。至诚的君子，人格的力量照彻一切的阴暗；他用不着多说话，说话也无须修饰。只知讲究修饰，嘴边天花乱坠，腹中矛盾森然，那是所谓小人；他太会修饰了，倒教人不信了。他的戏法总有让人揭穿的一日。我们是介在两者之间的*凡的人；没有那伟大的魄力，可也不至于忘掉了自己。只是不能无视世故人情，我们看时候，看地方，看人在礼貌与趣味两个条件之下，修饰我们的说话。这儿没有力，只有机智；真正的力不是修饰可得的。

　　看了这本书，我受益匪浅。社会之所以发展得那么快，一切源于人与人之间的交流，在交流之中可以得到很多信息。我们生活在这社会里，少不了与人交流。如果语言运用得不恰当，就会给对方留下不好的印象，甚至会产生误会。所以我们应该好好把握说话的技巧，将它化为一种艺术。

　　说话是一门艺术，在这个日异月新，飞速发展地时代，说话尤为显的重要，说话虽不是万能，但不会说话是万万不能的。其实人的一生总在不断的说话，不断地与人交往，从而让自己的生活丰富起来。

　　身为外联人的我，更应该要掌握好说话的艺术。说话可以体现一个人的魅力、才华、性格。读着这本书时，我想起了我们部门的叶龙方师兄。*时与他工作交流或生活交流时，不难看出他是个很会运用语言的人。如果与他交流时遇到尴尬状况，他很会圆场，缓解气氛。他还很会运用词语。例如，他问你对这事情还有什么想法时，你说了一个不是太好的想法出来，他不是直接说你这想法怎样怎样的不好，要怎样怎样才会有可实性。他会婉转地说：“你这想法还不错，不过如果能稍微修改一下，像这样做，会更完善，你觉得呢？”他巧妙地让你接受他的想法，且他的语言会很好地引导你去思考比较哪种做法会更好。

　　本来，我觉得自己还挺能说的，与人相处得不错。但在看完这本书，才发现自己在许多方面差强人意，不足的地方还有很多，比如说话这方面，它并不是别人告诉你怎样说就是怎样说的那么简单，而是自己去悟、看、思考。怎样才能做到说话没有漏洞，怎样去把握局面，不让自己处于被动状态，这才是最重要的。我们总是在犯着同样的错误，就是言多必失的毛病，其实言多并不必失，关键是我们怎样说，怎样领悟说话窍门，做到这些了，即使自己说了很多话，别人也会欣然接受的。

　　一个说话随便的人，一定没有责任心。话多不如话少，话少不如话好，多言不如多知，即使千言万语，也不及一件事实留下的印象深刻。多言是虚浮的'.象征，因为口头慷慨的人，行动一定吝啬。凡有道德者，不可多言；有信义者，必不多言；有才谋者，不必多言。多言取厌，虚言取薄，轻言取侮。

　　当你面对一个人谈话的时候，如果你只一大套一大套地把自己想好的话讲出来，而不了解对方的看法和兴趣，不能观察对方对你的话有什么反应，有什么疑问，不能及时地解除对方心理的症结，那你就不能算是一个好的谈话者。

　　能掌握好说话的人，无论与哪一类人都很能相处得来，能在别人身上得到许多资讯，学到很多东西。这是我的目标。

　　此外，我还搜索了几句经典的语句，我觉得很精辟，我们应该好好思考学*。

《说话的艺术》读后感2

　　说话。这是一个动宾短语。说，是一个动词。话，是一个宾语，也是一个名词。人生存在这个社会上，与社会上的人有千丝万缕的沟通和联系，而这很大程度上是要靠说话来维持这项沟通与联系的活动。无论一个人在社会上扮演什么样的角色，充当什么样的身份，语言一直是维持人际关系良好互动的工具之一。

　　语言是双方信息沟通的桥梁，是双方思想感情交流的渠道。语言在人际交往中占据着最基本、最重要的位置。语言作为一种表达方式，能随着时间、场合、对象的不同，而表达出各种各样的信息和丰富多彩的思想感情。说话礼貌的关键在于尊重对方和自我谦让。

　　古往今来，但凡不通说话之道者，都难成大事，而能成事者，一定在语言方面具有其独特的能力。一句恰到好处的话，可以改变一个人的命运。把握说话的场合和时机，领略说话精髓，悟透说话之道，顺利在众人中脱颖而出，这就是说话的艺术。这本书告诉我怎样修炼说话能力，怎样提高自己的说话水*。我可以获得大量关于五千年文明古国的说话之道，其中，不仅包括说话中要注意的礼节及中庸*和之道，同时也有幽默解困的诙谐式说话之道。

　　沟通交流在我们日常生活中扮演着重要的角色。说话是人们表达意愿的一种方式，也是一门艺术，自然也有一定的讲究。古往今来，但凡不通说话之道者，都难成大事；而能成事者，一定在语言方面有其独特的精髓和真谛。*人在追寻为人之道时，也十分讲究语言的艺术。我国著名散文学家朱自清就说过：“人生不外言动，除了动就只有言，所谓人情世故，一半是在说话里。”

　　所谓“一句话让人笑，一句话使人跳”。说话能力体现着一个人的内涵、素质。一个说话讲究艺术的人说出的话，常常理切、辞精、褒贬有节、进退有余地，可陶冶他人之情操，可以体现个人的雄才大略，更可以提高个人的社会地位。一句恰到好处的话，可以改变一个人的命运；一句不得体的话，也可以毁掉一个人的一生。因此，能否把握说话的技巧，对其人生成败是至关重要的。

　　职场上，每人每天和同事、领导难免有话要说；家庭中，每人每天要和妻子、丈夫、父母、孩子进行交流，一句话牢牢记在孩子心里，影响他的一生，成就课他的人生；社交时，必须要和朋友、客户联络感情，一句话赢取了客户的信任，几百万的生意便大笔一挥地签下了？说什么，怎么说，什么话能说，什么话不能说，什么时候说都是有大学问的，这些都是需要我们掌握的说话技巧。在注重人际沟通的现代社会，说话的艺术也就是成功的艺术。古有晏子使楚巧妙回击楚国君臣，保住齐国尊严；蔺相如秦廷据理力争，力保和氏璧；诸葛亮舌战群儒，促使孙刘联盟形成，保住刘备江山。今有*妙答外国记者，*人低头走路是因为在走上坡路；安徒生妙答有钱人，将路人讥笑他的话里的“帽子”和“脑袋”互易，变成了对愚昧贵族的犀利的讽刺；诗人歌德对给傻瓜让路的妙答。这一切一切，都说明了说话艺术的重要性。当然，这些其实都不难，最难的是这些东西没有一套的现成的标准可以参考，更没有人会把这些经验全盘相授，而是要自己去领悟，而这本书，正是教会了我如何让说话，甚至于如何做人。

　　要想提升自己的口才，我们就要学*面对不同的谈话对象、不同的谈话场合，能够随机应变的语言技巧。在与人交谈中，掌握得体的词汇用语，不仅能够用话语攻心，牵着对方的鼻子走，还要能够四两拨千斤的拒绝他人的要求，或者在不动声色中给予别人无声的还击。

　　除了培养说的能力以外，还要掌握跟说密切相关的能力，如观察能力、说话时机的把握、听出言外之意、学会倾听等等。观察还要注意具体情况具体分析，要看个人的接受程度来注意说话的分寸。玩笑不能随便开。之前在微博上看到一句话：“两个人的熟悉程度，要看他们聊天的猥琐程度。”比喻可能有点不太恰当，但是的确朋友之间越熟悉聊天就越放得开。实际上，看看我们周围那些伶牙俐齿者，你不难发现她们大多都是知识丰富、了解人情世故的人。他们在人际交往中，不俗不媚、宽容随和、通情达理的谈话方式，无论何时何地都是广受欢迎的。即便是批评，由于他们采取了有效的谈话技巧，也因此更容易让对方接受。在日常与他人交往的过程中，灵活运用书中所传授的方法，并且不断积累实践经验，形成自己独特的语言风格，将自己的真知灼见用种人能够理解的方式表发出来。

　　“称谓是开启交流之门的第一把钥匙。无论是新老朋友，一见面就得称呼对方。每个人都希望得到他人的尊重，人们比较看重自己业已取得的地位。对有头衔的人称呼他的头衔，就是对他莫大的尊重。直呼其名仅适用于关系密切的人之间。你若与有头衔的人关系非同一般，直呼其名来得更亲切，但若是在公众和社交场合，你还是称呼他的头衔会更得体。”这段话给了我深深地启示，感同身受的是，有一次我作为一名工作人员在一个较为正式的校级活动上大叫我朋友的名字：“肥鸡！”这时在场的老师也听到了，吓了一跳。我瞬间就意识到自己说错话了，当时真想找个洞钻进去。事后我很快意识到自己的错误，由于意识的.冲动而失去了说话的艺术。真的很不应该。

　　说话的艺术，还有很多很多，例子也不能一一举出，但是，这本书除了教会我说话的艺术，说*话的艺术，而且更多的是做人的道理。

《说话的艺术》读后感3

　　急事，慢慢地说

　　言一句三冬暖，恶语伤人六月寒。”*来，一篇一二句话的小文章———“说话的艺术”，受到许多人的推崇，有的人把它发到自己的博客上，有的物业公司把它作为温馨提示贴在电梯里，这曾经成为不少人发言时的艺术指南。

　　遇到急事，要是能沉下心思索，然后不急不躁地把事情说清楚，会给听者留下稳重、不激动的印象，从而增加别人对你的信任度。

　　大事，幽默地说

　　尤其是一些善意的提示，用句玩笑话讲出来，就不会让听者感觉僵硬，他们不但会怅然接受你的提示，还会增强彼此的密切感。

　　没驾驭的事，谨慎地说

　　学会对孩子说话，是完成与孩子无停滞沟通的第一步。孩子不听我们的话，每每是由于我们精良愿望的表达方式只能引起孩子恶感；每每我们自以为是的教导，却把孩子逼入绝境或使孩子养成恶*。

　　对那些自己没有驾驭的事情，要是你不说，别人会以为你虚伪；要是你能措辞严谨地说出来，会让人感到你是个值得信任的人。

　　没产生的事，不要乱说

　　人们最腻烦无事生非的人，要是你历来不随便揣测或乱说没有的事，会让人以为你为人成熟、有修养，是个办事仔细、有责任感的人。

　　怙恃常说：“不管我怎么说，孩子就是不听！”其实完全错了！不是孩子不听，而是怙恃还没有掌握与孩子有用沟通的语言。做一个称职怙恃的第一课就是———学会对孩子说话。

　　学会对孩子说话，是完成与孩子无停滞沟通的第一步。孩子不听我们的话，每每是由于我们精良愿望的表达方式只能引起孩子恶感；每每我们自以为是的教导，却把孩子逼入绝境或使孩子养成恶*。

　　对孩子表达异样的意思，你选择什么样的表达方式和什么样的词语都将对孩子有很大影响。在与孩子交换的过程中，无论你是提出要求、给出答案，或者与他谈谈条件、达成妥协，你所利用的语句可能让孩子更加乐于互助，更加自大，但也可能令他感到挫败和得到决心。

　　每一个母亲赐与孩子的爱，都是无价的！

《艺术的故事》读后感3篇（扩展2）

——艺术的故事读后感(十)份

　　艺术的故事读后感 1

　　《艺术的故事》是一本将艺术和历史结合起来的书，介绍了相关的时代背景与艺术家自身的经历，让我们在认识各位名家及其作品的基础上，加深了解他们创作的前因后果。

　　今天是《艺术的故事》的最后一个故事：多元化的今天。

　　20世纪上半叶，人们生活中发生了令人难以想象的巨大变化：那些原来依靠二轮小马车从事日常事务的人们，现在可以乘坐汽车出行了；电话和其他技术的发展简化了通讯的过程；科学和医学的进步改善了人们的健康，甚至拯救了那些身患绝症之人的生命。社会发生了天翻地覆的变化。

　　20世纪初的文学艺术运动层出不穷，永久地改变了绘画的面貌。绘画似乎突然间在各种观念、领域中找到了自我，所涵盖的内容包罗万象，艺术家们开始关注于“活着的当下意义”，多种多样的艺术形式如雨后春笋般出现，经历了现实主义、抽象主义、极少主义等形式之后，艺术领域也衍生出了一种原始而粗犷的风情。

　　进入到21世纪以后，绘画并没有出现一个主导的风格，而是多种风格并存，不同的艺术家们用自己独特的风格影响着现代观众，他们探究事物的内在和本质，似乎在用一种忐忑不安的情绪在作画，他们用自己的独特的技术和风格，为我们描绘了一个最好的时代，也是最坏的时代。

　　在今天的内容里，我们所看到的艺术故事的年代跨越似乎有些大，但是他们都是现代艺术中不可缺少的重要一部分，经历了自由发展的艺术家们，要试图在一个全新的时代里创造出全新的艺术风格，这对于所有人来说都是一个极大的挑战。与此同时，科技的进步与政治的变化同样也影响到了艺术的创作。

　　在以梵高为代表的后印象主义出现之后，这种直面心灵的描绘影响到了其他的一些年轻人，他们饱含着炽烈的感情，想要把这种喷薄而出的情感表达出来。他们追求更为主观和强烈的艺术表现，画风不再特别讲究透视和明暗，而是采用更加*面化的构图、暗面与亮面的强烈对比，用纯粹的写实来表达自己的情感，他们就是野兽主义。

　　似乎就是从这个时候开始，现代主义的艺术家们都有一种强烈的表现自己的意愿。在1905年位于巴黎的一个秋季沙龙展览上，一批前卫艺术家们的画作在同一层展厅共同展览，一位记者站在色彩刺目、形式大胆的展览中，忽然发现了一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多纳泰罗被关在野兽笼中！”（多纳泰罗是意大利文艺复兴时期的杰出雕像家。）野兽主义的得名就是这样而来的。不久，这一俏皮话便在杂志上被刊登出来，而“野兽主义”这一略含贬义的称呼也得到了广泛的认同。

　　野兽主义画家们打破了以自然色彩为依据的着色传统，他们的原则就是通过颜色起到光的作用，以达到空间经营的效果。他们还从非洲和东方画中汲取灵感，利用粗犷的题材，强烈的色彩来颂扬气质上的激烈表情。野兽主义的代表人物马蒂斯（Matisse）始终坚信色彩有其自身的独特能量。他根据感情的需要，将高纯度的*面色块在画中组合，使其形成冲突对比或*衡和谐的关系，产生音乐般的节奏，他的画往往传达着某种欢快的情感，散发着生命的朝气，正如这幅《舞蹈》所表现出的活力一样。

　　巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。

　　巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。

　　毕加索《读书》，毕加索是有史以来第一个在有生之年亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。

　　一战和二战给人带来的伤痛和反思急需寻找一个发泄的出口，在这种背景下，一批战后艺术应运而生。超现实主义在1920年兴起于巴黎，是由参加过第一次世界大战的法国青年发起的学派主义，他们目睹了战争的荒谬和破坏，对传统的理想、文化和道德产生了怀疑。他们以所谓的“超现实”“超理智”的梦境、幻觉作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”，世界才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目，这种偶发梦境和信马由缰的主张鼓励了艺术家创作出各种荒诞的、不合情理和不协调的作品。《记忆的永恒》就是最为出名的超现实主义作品，作者达利（Dali）引入了有关柔软和正在消融的手表的概念，在这个清晰而令人困扰的梦境般的幻象中，坚硬的物体熔化、变形，蚂蚁爬满了金属怀表，借此意象探讨了人与时间的关系。

　　同样地，毕加索也用一幅《格尔尼卡》表达他对毫无益处的战争的厌恶之情。在第二次世界大战之后，英国艺术家们选择将血肉之躯作为绘画的题材，展现出一种扭曲和孤立的形象，甚至发明了一种脏污的涂抹和泼洒颜料的独特画法，为他们的画作加入了风险和不确定的因素。

　　表现主义兴起于20世纪初的德国，最初是用来区别印象派的一个术语，后来逐渐流行于法国、奥地利、北欧和俄罗斯。

　　表现主义的作品多通过扭曲的人物来表达内心的恐惧，因此他们一般不会选择欢快的色彩和主题，但是后来随着艺术家们的不断发展，表现主义逐渐成为一切表现内心感情的艺术代名词，它代表着画家们突破事物表象而凸显其本质，突破对人的行为的描写而深入其内在的灵魂，突破对暂时性现象的描写而展示永恒的品质等。表现主义用颜色和狂乱的线条来表达自我，瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）就是如此，他认为仅用颜色和形状就可以传达艺术家的感觉和情绪，由此，他转向了抽象主义的范畴。

　　抽象主义更是一种自由发展的画派，画家们想要探索并进行绘画形式的实验，他们认为作品和形式本身就可以成为题材，他们希望创作充满感情和表现力的作品，同时强调画作创作过程的自发性。这是首次在美国兴起的艺术运动，它标志着在此后一段时间里，西方现代艺术的中心终于从巴黎转移到纽约。

　　抽象主义的艺术家们会在巨大的画布上进行创作，他们甚至发明了新的滴落画法，即把画布铺在地面上，运用颜料滴落的方法，强调创作的随机性。这种做法看起来有些太随意了，甚至有人会批判这根本不算什么艺术，但是正是波洛克（Pollock）开创的这种画法成了抽象主义的主要表现方式。他们笔触自由，奔放大胆，桀骜不驯。以波洛克为代表的抽象主义画家认为，绘画有它自己的生命，而他们只是力求让这种生命出现，因此，在抽象主义的画作中总是充满着一种纯粹的和谐。

　　随着抽象主义的兴起，西方艺术中心的转移，美国人民终于开始发挥出他们向往自由的天性了。波普艺术，又称为流行艺术（Pop Art）开始出现在美国的大街小巷，这是在美国现代文明影响下而产生的一种国际性艺术运动，其灵感来源于流行文化，包括流行音乐、电影、漫画、通俗文化产品和广告等，他们把熟悉的日常物品拿来创作，直接打破了高雅和低俗文化的区别。

　　其实，所谓的“波普”也是英语中“棒棒糖”（Lollipop）的一个简化的口语词，也可以指酒瓶或可乐瓶开启的声音，不论是哪个，波普艺术都带着一种轻松娱乐的享受感，与之前的流行艺术不同，波普艺术真正实现了让所有人都能接触到艺术这一使命，我们经常能看到的一系列名人头像，例如《玛丽莲·梦露像》，就是出自这一时期的艺术家之手。

　　新现代主义首先诞生于现实问题最多的德国，艺术家们用粗砺、原始的笔触，依靠扭曲和疯狂的人物形态，借鉴报纸、神话中的各种资源，表达了自己内心的力量，他们并不是直指政治或战争的惨状，而是用一些抽象的表现形式，甚至是卡通般的画法，用一丝黑色幽默，微妙地涉及了国家与政治。

　　第二次世界大战结束之后，德国分裂为东德与西德，这种现实的分裂给人们带来了永远无法弥补的伤痛，人们对自己的身份认知产生了怀疑。随着科学上的巨大进步，人们开始怀疑过去已有认知的真理性，同时也开始意识到科学无法解决任何问题。生活的复杂性与艺术互相碰撞，这就是后现代主义的崛起。

　　后现代主义画家们结合了大量的科技手段，比如他们将一些照片用创作的形式重新呈现，或者是通过对一些摄影照片直接进行变形处理，表现出一种模糊又浑然一体的风格。

　　但是随着生活节奏的逐渐加快，现代人又产生了新的焦虑，包括社会压力、国际局势、***、女权问题等等，这些都在现代艺术中有所反映，宽松的政治环境也使得艺术家们得以更加自由地表达自己的情感。时至今日，可以说只有你想象不到，没有艺术家们做不到的艺术风格，在多样性和多元化程度越来越高的今天，艺术家们最为关注的，还是他们那越发躁动和焦虑的内心。

　　图伊曼斯（Tuymans），当代最伟大的画家之一，创作了一大批内容题材极其丰富的画作，从羁于纳粹毒气室的紧张痛苦的图像，到日常花卉的**无奇的再现，这些抽象化的图像带着几乎病态的色系，表达了作者心中的不安和冷漠感，似乎在诉说着现代人的内心。

　　现代艺术并不是一种终结的陈述，而是一种对绘画的证明。艺术家们一方面试图造就艺术的存在，一方面又质疑这种存在的本质。这就是这个时代能给艺术带来的最好，也是最坏的结局。艺术陷入了被质疑与自我质疑的循环，艺术家们也面临着更多的焦虑与不安。但是我们回顾这些天来所看到过的艺术历史就会发现，从始至终，艺术都只是人类社会的一种表达方式。

　　关于《艺术的故事》到此就结束了。

　　艺术的故事读后感 2

　　老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。

　　读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的*惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学*的方法，更是一种学*的态度。

　　在前言我被震撼了，看到了很多实话。作者骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

　　读完这么一本厚厚的书，觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。

　　艺术的故事读后感 3

《艺术家的故事》这本书适合我们这样的青少年或是儿童阅读的书，这本事是由48个故事组成的，一共为7个章节，分别是“喜剧巨星”卓别林，雕塑大师罗丹，“印象派化的始祖”莫奈，全能天才达芬奇，咏唱生命之歌的柴可夫斯基，与命运抗争的强者贝多芬，还有音乐使者莫扎特。这几个题目鲜明的告诉我们它写的是关于一些名人的故事。

这个故事的前言还告诉了我们这些故事是在21世纪发生的，21世纪是一个充满竞争的世纪，少年儿童是未来的主人，在他们儿时所形成的兴趣、爱好、志向将印证在他们未来的一生。

现在我们大家也都发现了，大多数的家长都在采用填鸭似的教育方法，给孩子们造成了极大的痛苦，正如一头不想喝水的牛，人们总想用蛮力把它的头按到水中喝水……。这倒不如用讲故事的方法教育孩子，有人认为阅读名人做事是成年人的事，其实对一个很多方面已经定型的成年人来说，这只能算是锦上添花而少年儿童具有天然的可塑性，他们每阅读一个名人故事，就会在他们的内心深处进行一次雕塑，就像在他们不断升级的硬件中增添了一个又一个优秀的软件……。

这本书很适合青少年或儿童阅读，因为这里的48个故事能影响孩子的一生。你还在等什么，快来看吧！

　　艺术的故事读后感 4

Phivos:品牌的发展有四个阶段：功能认知，产品特性，品牌情节，品牌联盟。相比独特销售主张来讲，品牌更需要的是独特价值主张。故事思维不针对产品功能，除了情节还有主题，除了给出唯一解决方法，还鼓励人们相信产品之外的更多东西。除了了交流他们强烈赞同的理念或者价值观之外，还要解释为什么在利益驱使之下这个品牌依然能够存在。品牌是单层的，而品牌故事则是双层的。它们有一个共同的外层，是通过使用某一产品获得的结果或者功能性收益。但是，品牌故事又多了一个内层，这个内层给了品牌距离感和历史感。故事揭示内涵，但从不指明内涵。故事用说明性的介绍和逻辑论证直白地告诉我们作者打算传达的意思，那是社论而不是故事。读完故事，我们自己会判断它是否有意义。如同故事的主题，作为品牌最好留给别人去诠释，而非自己来解释。解释得越多，品牌的影响就越容易被忽视，甚至更糟糕，引起反感。品牌故事要着眼于超越现实。了解你的品牌信念以及它代表着什么，并且将它们展现出来。值得信赖的人从来不会告诉你他是值得信赖的。最好的书是将你已经知道的讲给你听。告诉别人他们已经知道的——这是品牌营销者应该从故事力量中学到的重要一课。用一种新的、更具关联性的方式来告诉我们，但是不会也不能改变这些东西的本质。市场营销的理念告诉我们，先研究客户；而故事思维告诉我们，需要先研究品牌。营销是品牌的理性目标，提高品牌利润则需要赋予品牌更好的人文价值。从故事思维的角度看，USP更像是一个故事的情节，UVP更像是故事的主题。真相不是发生的事情。真相是我们认为发生的事情。我们所说的不是事实，我们深信的才是事实。最有创造力的人都是那些集大成者。他们就像超级海绵，依靠感官吸收大量的信息，然后把这些信息与存储在头脑中的信息整合，瞬间完成转换：看待事物的新角度由此诞生。把品牌当作一种人们普遍认同的信念或者价值观，会促使一个品牌变得强大，而且使消费者和品牌之间的关系经久不衰，这要比仅仅从一个品牌独一无二的销售主张（USP）的角度来考虑问题要有效得多。

　　艺术的故事读后感 5

计算教学对于一线教师来说不难但上好计算课并非易事，徐斌老师通过大量的专题调研，发现了计算教学的四大矛盾，即情境创设与复*铺垫，算理直观与算法抽象，算法多样与算法优化，解决问题与技能形成。他结合日常课堂教学，不断探索与改进，他的计算课不漏痕迹的渗透和潜移默化的引导，正是有效计算的计算教学的法宝。

徐老师通过计算教学的充分关注，拓宽了教学的视野。如：他在执教《9加几》时，学生自己先思考，再和同桌说说自己怎么想的，全班交流，教师并不急于优化算法，而是板书其中的一种凑十法，在不断地追问中，让学生思维碰撞，说出自己对破十法的理解，运用数学语言叙述清楚思路，这样学生才能真正心领神会凑十法的意义，学生不是机械地会计算，在动手操作、交流中的数学思考，才是最为重要的。

他认为：“计算教学既要让学生在直观中理解算理，也需要让学生掌握抽象的法则，更需要让学生充分体验由算理直观化到算法抽象性之间的过渡和演变过程，从而达到对算理的深层理解和对算法的切实把握。”是呀，能不漏痕迹地把教育意图隐藏起来，这是多么地有教育意义啊。

其实我也发现现在的孩子们算然每天也不断练*，但是孩子们的计算能力却不高，这说明我们的课堂还存在不少的问题，我还需要不断地学*与改进，上好计算课，真正提高孩子们的计算兴趣。

　　艺术的故事读后感 6

关于中外艺术家故事的读后感400字

《中外艺术家故事》主要讲了中国及外国众多名人成才的故事，他们成才的经历很值得我们学*，让我受益匪浅。

其中我觉得认真的米开朗琪罗最值得我学*。米开朗琪罗是意大利著名的雕刻家、建筑师，一次他全神贯注的雕刻一尊雕像，在即将告成时，一位朋友到他家来做客，欣赏他的作品，一段时间以后，朋友又来到他家，发现他还在雕刻，于是嘲笑他的动作比蜗牛还慢，作品跟上次看上去差不多，没什么区别。于是米开朗琪罗说：只有细节，才能成为完美的雕刻。他认真的态度和对细节的追求令我折服。*时我学**是不太认真，有时较难写的字就记个大概，不注意里面的细节，还有些较难的数学题，不会也不认真思考，妈妈讲，不管懂还是不懂，装明白，不求甚解;要么听老师讲，只听个皮毛，就认为会了，一知半解。

　　艺术的故事读后感 7

　　“我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。”当然，这里的艺术主要指视觉艺术以及雕塑、建筑。

　　艺术是什么？如果只是画画画、塑塑像、编编图案、盖盖房子，那么艺术的起源可以追溯到太古；如果仅把艺术当作用于欣赏需要保护的奢侈品，那么艺术的历史应该并不长。

　　姑且放下这个令人头疼的问题，换个角度，简单的解构已有的被承认的艺术品，从艺术品的基本属性入手。每件艺术品或多或少都有实用性和美，这两种属性我现在认为应该是负相关性的，从原始艺术品到现代艺术品的特征可以佐证。原始艺术的第一标准必然是实用，因为当时的生产力极为低下。以建筑为例，修筑房屋首要的是构筑一个遮风挡雨的休憩之所，然后才会考虑看起来顺不顺眼，即所谓的合不合适。你建的大家一看就喜欢再好不过，但是如果你审美有限，有个窝也凑活。所以就原始艺术而言，实用性是第一属性。

　　原始艺术的实用属性满足两个方面——自然的和超自然的。比如建房躲避自然，雕像祈求神灵。满足超自然的方面，影响深远，至今保留在我们的日常生活中，有趣的是我们还不怎么能知觉。举个例子，如果有人拿着你心爱人的照片，当你面，用剪刀戳照片里的人的眼睛，你会有什么感觉？我会暴怒，我会有一种我心爱人也受伤的感觉，即使我知道那只是照片而已。艺术品能够实现超自然目的的原因，我认为是我们错误的将世界的联系无规律化，似乎只要能建立联系就能影响另一方，无论这种联系有多牵强，长得像能联系，名字一致能联系，拿点原主的东西也能联系，只有想不到没有联系不到。本着这样的精神，原始人创作了艺术史上极为重要的几幅洞穴壁画——西班牙Altamira洞窟里的野牛和法国Lascaux洞穴里的马，他们相信将马和野牛画出来，然后鞭打折磨壁画，外面的马和野牛也会受到影响，以期收获满满。

　　所以，原始艺术家的首要任务，不是作品美不美观，而是作品有不有效。能不能让部落里所有人都认同你与某种东西建立了联系，并且这种联系是经典的，是某种约定俗成下的，是成败与否的关键。情形类似于春节时的春联，春联联系的是美好的愿景，大家约定必须用红纸来写，用其他颜色的纸写就不是春联，就不能建立联系。那么原始艺术家还有创作空间么？有！继续以春联为例，在红纸的基础上，各家可以选择汉字的颜色，一般是金的或黑的，可以选择汉字的字体，楷、隶、行、草······还可以选择背景花纹，在不影响主体字的情况下，选择红纸的花纹，选择空白地方的填充图案等等。每家的春联都能代表各自的审美，而这种审美，就是原始艺术家的创作空间。

　　提起原始艺术，特别是当看到“原始”两字时，总让人联想到长相寒碜，制作简单，恨不得就像《洛书》、《河图》一样几根线就能搞定的东西。这应该能代表原始时期的风格，但绝不能代表原始时期的技艺，原始时期的艺术家用简易的工具足以制作一件自然主义的作品，比如尼日利亚伊费的青铜黑人头像，栩栩如生（这才是栩栩如生和教科书里说某些器皿栩栩如生完全不同）；比如美国西北岸印第安海达部落酋长的房子，刻画的精细程度和《三国立志传三》有一拼。但是为什么我们看到的整体风格显得如此生疏？我们从观念的角度来解释，原始艺术家认为没必要，或者说描绘得太清晰了不利于脑补，构建不了联系；亦或可以从符号的方面入手，墨西哥阿兹特克时代的Tlaloc，就是以响尾蛇作符号拼凑成的，据阿城老师考证，中国的饕餮纹，可能是青龙和天极神两大符号重合的产物，符号化的东西无法自然起来，所以长成那样情有可原。

　　艺术的故事读后感 8

　　读了这本书《艺术的故事》后，感觉它为我打开了一个崭新的世界，这也是我们学艺术讨论最多的一个问题——创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新，艺术的风格怎样变化，一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢，不是，它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术来读的。

　　《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅*的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

　　记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是：“这是什么样的轮廓啊！”显然，艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林，他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念，即线描性和绘画性、*面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远，成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中，我们却看到了作者更简洁的手法，他只用构图设计的*面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是，这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点，我们在阅读时将不难发现。

　　本书作者的另一个重要思想，即作者在前言中所交代的一个观点：一方面，在艺术问题的解决上，某个问题的解决方案无论怎样激动人心，都毫无例外的在别处激起了新问题；另一方面，艺术发展在一个方面有什么所得或进步，都必然会在另一个方面有所失，主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因，《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅*而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。

　　西文艺术史的研究，从作为一门学科算起，已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前，主要集中在德语国家，所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初，艺术史研究中出现了一种趋势，即要为艺术史找到一种科学基础，于是学者纷纷把目光转向了心理学，并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何，例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称，就会妨碍人们对侧面像的描绘，要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界，就是这场与知识的破坏力量的斗争，以及要恢复“纯眼”的决心，使艺术从埃及的完全“概念性的”艺术走向了印象主义的完全“知觉性的”艺术。

　　艺术的故事读后感 9

　　我们对艺术的起源不甚了了。过去对绘画、雕塑、建筑的态度不仅仅是纯粹当作艺术品，而是当作有明确用途的东西。如果不了解过去艺术必须服务的目的，也就很难理解过去的艺术。上溯历史越远，艺术必须服务的目的越明确，越奇特，如原始人的艺术，接*人类起源的状况，出于实用的目的，施行法术，对抗大自然和超自然的力量。

　　这种“原始”的东西在我们身上还有，例如对相片，还有一些迷信的残余。原始人对于实物与图画的界限更不清楚。

　　猜想原始人对于图画威力的普遍信仰，留下了最悠久的古迹，如拉斯科洞窟壁画。一些原始部落能佐证这个猜想。

　　拉斯科洞窟壁画约公元前15000—前10000年，艺术家的工作就是运用他们的全部技艺和知识为行施法术提供能发挥作用的作品。身边依然有这种事情，**、婚戒。然而即使礼仪和*惯已经规定好，也还是给趣味和技艺留下了选择和活动余地。原始艺术作品按照预先规定而行，但艺术家仍然留有自己气质余地。原始艺术，并不意味着艺术家对技艺仅仅有原始的知识。例如新西兰的毛利木雕，技艺精湛。当然，一件东西难于制作不一定就能说明它是艺术品，但原始部落的技术水*足以证明他们的手艺很好，他们与我们不同不是由于技艺，而是由于观念。“整个艺术发展史不是技术成熟程度的发展史，而是观念和要求的变化史。”部落艺术品何以看起来生疏，涂鸦的实验告诉我们，原始艺术家用自己喜欢和顺手的形状构**物或面孔，或许不大像原物，但能保持pattern的统一与和谐。

　　伊努伊特的舞蹈面具阿拉斯加约1880年，原始艺术家创立了一套套精细方法用这种装饰性的样式去表现各种人物与图腾。以北美印第安海达部落酋长房屋的图腾柱为例。

　　原始艺术往往需要理解其目的，才能理解艺术家倾注的感情和劳动。也许不理解其寓意，但仍能欣赏其周密的手法。艺术在其奇特的起源时期，不应该用现在的观念去对待，以为其目的是开心或装饰。那时的文明，观念与我们大不一样，所以作品显得生疏而不自然。以古代美洲为例，阿兹特克、印加、玛雅。

　　阿兹特克的雨神特拉劳克14—15世纪，早期文明的制像不仅跟法术和宗教有关，也是最初的文字形式。虽说对神秘起源所知有限，但可以想想书画同源。

　　艺术的故事读后感 10

　　当品读完一部作品后，相信大家一定领会了不少东西，写一份读后感，记录收获与付出吧。那么读后感到底应该怎么写呢？以下是小编收集整理的艺术的故事读后感，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。

　　埃及，一个被笼上灰色面纱的神秘国度，金字塔，木乃伊，狮身人面像…还有被人们口口相传的危险诅咒，这一切的诡秘，不由得激起我们对于埃及的强烈好奇和探寻。一个有着悠久历史的国家，必然有其艺术历史的弥留，并伴有着古老的烙印在这个民族血液中的特殊含义，当我们亲手揭开那层面纱，看到藏在她背后的奇妙艺术世界。

　　艺术与信仰

　　埃及美术的产生与发展与他们的宗教信仰有着莫大的联系，他们崇拜太阳神，水神等其他诸神，在宗教的发展中，为了维系宗教的核心思想和内涵，必然需要用一些客观的方式是展现以及延续他们的信仰，由此便诞生了一系列埃及艺术品，而在当时，在他们的眼中，这些并不是为了审美的需要或者有着艺术的价值，并不能被称为是艺术品，而是他们的信念必需品，是民族宗教信仰的必需品。

　　在埃及，被学者们发现的大大小小的金字塔拔地而起，以及其中精美的葬品和壁画中，我们不难看出，这曾是一个辉煌的国度，世世代代掌握无上王权的国王，以及成千上万的.劳动者和奴隶所共同铸就的一个国度。其中国王被认为是掌握权力的神人，相信法老是神的化身，是太阳神之子，在埃及人的眼中，要使灵魂到达了冥界，并继续生存，就得要使其肉体金刚不坏才得以保全，因此，便出现将国王的尸体制作成木乃伊这一行为，以达成他们内心所向往的永生。相应地，随之而来的是作为墓主人的永生住宅，其内壁装饰和结构修建，也便自然而然地成为了的重中之重。也正是这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一些列艺术的产生。

　　建筑的威严

　　埃及美术建筑追求体量巨大，雄伟壮观，由此给人一种至高无上的威严感，这一点在金字塔上显而易见。金字塔是古代七大奇迹之一，其中最为有名的胡夫金字塔，建于埃及第四王朝的第二个国王胡夫统治时期，该建筑原高145.5米，底面成正方形，每边长230多米。塔身有230万块巨石组成，而每块巨石大小不一，分别重达1.5吨至160吨。而如此宏伟的地理标识，不是大自然的天造地设而是埃及古人们的鬼斧神工。据考证，为建成大金字塔，一共动用了10万人花费了20年时间。由此可见，宗教信仰提供给一个民族的精神力量是多么的强大，直至现在人们仍对着几千年前的奇迹叹为观止。由于人们对于太阳神的崇拜，也赋予了金字塔是作为法老起上天的天梯，就是这样一座天梯又以角锥体呈现，意味着是刺破青天的太阳光芒。如是，在《金字塔铭文》中有这样一句话：“天空把自己的光芒伸向你，以便你可以去到天上，犹如拉的眼睛一样。”

　　雕刻的艺术

　　作为同样是为了保证法老永生的方式，除去木乃伊以外，他们还会叫来雕刻家，用坚硬的花岗岩雕刻出国王的头像，放置在无人可见的墓中，而法老也借助雕像得以长存。在保留带来的历代国王雕像中，我们可以看出，雕刻家们并没有选择以精雕细琢的方式去一一展现法老们的五官细节，他们在意的只有最基础的东西，而其次的细节皆被忽略。以我们今天的眼光看来，这些头像并不乏美感，虽然有着几何图形的刻板影子，但又不仅仅是停留在原始几何的生硬，依旧形象动人。当时的埃及雕刻家将对于自然的观察跟总体的匀称相协调，兼顾*衡，使得天*的两端得以均衡，而使得在肖像中向我们展现出了其古老悠久而又真实生动。

　　对于自然几何的深刻把控，使得我们能够欣赏到当时生动有趣的埃及壁画和浮雕，在当时，人们并不理解透视，以至于在他们的笔下呈现出的壁画让我们第一眼难以理解，但在那时，绘画对于他们来说并不具有审美价值，而是为了另一种目的的服务，艺术家们以尽可能的把他们所看到的一切事物都保留下来目的，好不好看不是关键，完不完整才是他们秉持着的原则。这些壁画，看似不符合视觉逻辑，如同儿童绘制一般，但实际上，他们在绘制过程中有着他们所坚持着的严格规则。无论是描述哪一样事物，他们都是从其最具特性的角度去记录。而正面律便是最能概括这一艺术特色的规律，以这种方式来表现人体，能够最大程度上地将人体的所有重要的东西都展现出来，而遵循这规律原因也是为了奉献给死者一个完整的躯体。

　　除此之外，在埃及壁画表现中，术家想表达的也不仅仅是其对于事件的描述和人物的外形，在绘制过程中，在绘制过程中，也要传达出这幅画中人物的意义，会通过刻意地放大重要人物或是将重要人物展现在画面视觉的中心位来体现人物地位的尊贵。

　　永恒的艺术

　　埃及艺术最伟大的特色之处，就在于在他的建筑，雕像，壁画等一切艺术品中能够延续着统一法则，在每一个领域各安其位，各得其所。一以贯之，从而形成属于其自己民族的民族风格，形成永恒的艺术，永恒的风格。

《艺术的故事》读后感3篇（扩展3）

——《人类的故事 》读后感3篇

　　我们是谁? 我们从哪里来? 我们要到哪里去? 我们凭着执着和勇气，努力寻找这些问题的答案。人类的历史有上下五千年，而人类的来源与历史故事谁也说不准，千奇百怪，但房龙先生在《人类的故事》这本书中，娓娓的讲述人类数千年来的文明历史，使得精彩的历史场景重现，扼要的历史人物点评，使房龙先生赐予了我们一双观看波澜壮阔的历史长河的眼睛，让我们看到历史的长流中，总是有无数的黑影在里面无尽的蔓延。 而人类在一开始只不过是那弱肉强食的大自然中一个弱小的生物，但经过了20xx个世纪的演变，终于，人类成了大自然的”霸主“，创造文字，发明石器，创造语言，与大自然相栖相存，而因为人性之贪婪，使得人们残杀同类获得利益;使得战争连年不断、战火不熄、血流成河，永无止境的在争斗。为了让自己国家实力加强而破坏了自然界的生态*衡，让许多动物无法回家，导致灭绝。

　　人们总是想抹去这历史长河中那无尽的黑影，但有黑影的地方终究是会有光明，同样的，有光明的地方终究也是会有黑暗，血腥历史是无法改变的，人性的罪恶与善良也是无法抹去的。

　　《人类故事》是亨德里克.威廉.房龙的成名作，在认真的读后，感触颇深，受益匪浅，《人类的故事》读后感。从人类的起源到每一个历史时期都有凝练的论述，以深厚的人文关照和俏皮睿智的文笔，展示了人类历史的浩荡长卷，以人文主义的立场，通俗睿智的文风，将人类各方面的历史都复述了一遍，带你游遍世界。有趣的内容虽然不少，但让我最感兴趣的国家是罗马。提到罗马就不得不想到凯撒，他立下赫赫战功，却没有禁得住埃及最后一个王朝--托勒密王朝的最后一位女王，埃及艳后娄佩特拉的诱惑，最终被人刺死。而青出于蓝而胜于蓝的是凯撒的外甥屋大维，他击败舅舅的秘书安东尼，并迫使安东尼自杀，而娄佩特拉则在战败后自杀身亡。公元14年，屋大维成了真正的皇帝，一个世界上最伟大的帝国统治者。我佩服他的智慧与领导、统治才能，他没有重犯凯撒的错，正因为如此，他才造就了一个繁荣的罗马帝国。

　　正如房龙所说：历史其实就是一座非凡的经验之塔，是时间在流逝的岁月当中建造起来的。要登上这古老的塔，并从一览无余中获取有益的知识和经验，绝不是一件容易的事，那儿没有电梯，也没有捷径，只有意志力坚强且虚心好学的年轻人才可以攀爬到塔顶。

　　我们是谁? 我们从哪里来? 我们要到哪里去? 我们凭着执着和勇气，努力寻找这些问题的答案。人类的历史有上下五千年，而人类的来源与历史故事谁也说不准，千奇百怪，但房龙先生在《人类的故事》这本书中，娓娓的讲述人类数千年来的文明历史，使得精彩的历史场景重现，扼要的历史人物点评，使房龙先生赐予了我们一双观看波澜壮阔的历史长河的眼睛，让我们看到历史的长流中，总是有无数的黑影在里面无尽的蔓延。 而人类在一开始只不过是那弱肉强食的大自然中一个弱小的生物，但经过了20xx个世纪的演变，终于，人类成了大自然的”霸主“，创造文字，发明石器，创造语言，与大自然相栖相存，而因为人性之贪婪，使得人们残杀同类获得利益;使得战争连年不断、战火不熄、血流成河，永无止境的在争斗。为了让自己国家实力加强而破坏了自然界的生态*衡，让许多动物无法回家，导致灭绝。

　　人们总是想抹去这历史长河中那无尽的黑影，但有黑影的地方终究是会有光明，同样的，有光明的地方终究也是会有黑暗，血腥历史是无法改变的，人性的罪恶与善良也是无法抹去的`。

《艺术的故事》读后感3篇（扩展4）

——《元素的故事》读后感3篇

　　《元素的故事》的作者是伊尼查叶夫。他是前苏联青年科学文艺作家。他的笔法生动有趣，简单明理，《元素的故事》是他的'代表作。就像书中的汉夫里戴维一样，尼查叶夫把化学的历史描绘成一副画，谱写成一首歌。他不仅是一位热爱科学的作家，更是一个满腔豪情的*。他不顾重病，参加反德国*的民兵队伍，最终战死在沙场上。

　　从瑞典的卡尔社勒起，人类就开始进行对元素的“伏击战”。从简单的烧瓶和曲颈甑，到精密的分光镜和回旋加速器，人们把一个个元素找了出来。寻找它们的道路艰难又坎坷，最终也达到了彼岸，成就了《元素的故事》。本文作者常把元素拟人化，例如他把氩比作“元素中的隐士，元素中的单身汉”，写出“火焰空气喜欢与燃素结合”。作者的笔法细腻，把枯燥无味的化学历史写成了一篇引人入胜的小说，让读者沉浸在化学的世界里，倾听古代化学家讲述他们的故事，这里记录几篇与大家分享。

　　汉夫里戴维年幼时贪玩，等他父亲去世之后，去做医生的学徒，才开始发奋读书。天资聪慧的戴维很快获得了声望，并去了伦敦的皇家学院作化学教授。戴维在皇家学院做实验，并把它们都搬上了讲台，给贵族们讲述化学的奥秘。他发现的新元素，让他在各国获得了很高的荣誉。只是他在年龄变大的同时，不再注重科学而开始注重名利。

　　本生和基尔霍夫是天生的一对搭档。他们俩一起借助本生灯和分光镜的帮助。为科学做出了极大的贡献。本生和基尔霍夫发明了光谱分析术，查出了太阳的成分，找到了两种稀有元素。当然，本生灯就是本生发明的。

　　德伊门捷列夫只是一个普通的化学教授，但他却以自己的智慧，在书桌上发现了好几种元素。门捷列夫只想找出一个规律来，好完成他的著作，却发明了元素周期表，预言出几种还未发现的元素的性质。最后事实证明他预言的都是正确的。

　　化学是一门实验科学，只要勇于做实验，大胆判真理，无论是谁都可以成为化学家，为人类做出贡献。正如书中结尾所说：“人类统治自然——统治物质和能量的权利是不可限量的。

　　《元素的故事》的作者是伊尼查叶夫。他是前苏联青年科学文艺作家。他的笔法生动有趣，简单明理，《元素的故事》是他的代表作。就像书中的汉夫里戴维一样，尼查叶夫把化学的历史描绘成一副画，谱写成一首歌。他不仅是一位热爱科学的作家，更是一个满腔豪情的*。他不顾重病，参加反德国*的民兵队伍，最终战死在沙场上。

　　从瑞典的卡尔社勒起，人类就开始进行对元素的“伏击战”。从简单的烧瓶和曲颈甑，到精密的分光镜和回旋加速器，人们把一个个元素找了出来。寻找它们的道路艰难又坎坷，最终也达到了彼岸，成就了《元素的故事》。本文作者常把元素拟人化，例如他把氩比作“元素中的隐士，元素中的单身汉”，写出“火焰空气喜欢与燃素结合”。作者的笔法细腻，把枯燥无味的化学历史写成了一篇引人入胜的小说，让读者沉浸在化学的世界里，倾听古代化学家讲述他们的故事，这里记录几篇与大家分享。

　　汉夫里戴维年幼时贪玩，等他父亲去世之后，去做医生的学徒，才开始发奋读书。天资聪慧的戴维很快获得了声望，并去了伦敦的皇家学院作化学教授。戴维在皇家学院做实验，并把它们都搬上了讲台，给贵族们讲述化学的奥秘。他发现的新元素，让他在各国获得了很高的荣誉。只是他在年龄变大的同时，不再注重科学而开始注重名利。

　　本生和基尔霍夫是天生的一对搭档。他们俩一起借助本生灯和分光镜的帮助。为科学做出了极大的贡献。本生和基尔霍夫发明了光谱分析术，查出了太阳的成分，找到了两种稀有元素。当然，本生灯就是本生发明的。

　　德伊门捷列夫只是一个普通的化学教授，但他却以自己的智慧，在书桌上发现了好几种元素。门捷列夫只想找出一个规律来，好完成他的著作，却发明了元素周期表，预言出几种还未发现的元素的性质。最后事实证明他预言的都是正确的。

　　化学是一门实验科学，只要勇于做实验，大胆判真理，无论是谁都可以成为化学家，为人类做出贡献。正如书中结尾所说：“人类统治自然——统治物质和能量的权利是不可限量的。

　　今年寒假，我看了一本由苏联作家尼查叶夫写的《元素的故事》。

　　在读这本书之前，我很好奇，非常想问：“科学家们到底是怎样发现新元素的呢？是不是很轻松呢？”

　　几天后我看完了这本书，书中详细的记叙了科学家们是怎样发现新元素的事件。首先写的是卡尔·杜勤的故事，他通过日积月累的实验，终于发现了火的性质：当火在氧气中烧得非常亮，但是当火在氮气在一起时就会慢慢熄灭。这就是他的燃素学。

　　接着又介绍了另一位化学家汉夫里·戴维。这是一位活泼的青年人。他仅仅使用伏特柱的电流巧妙地分解许多化合物，经过成千上万的成功和不计其数的失败，最终发现了许多的新的元素，如，纳、钾、氢等。化学家门捷列夫发根据戴维发现的所有元素，找到了周期律，并且发明了使用至今的元素周期表。

　　读了这本书，我渐渐地读出了化学家们的艰苦和困难，也仿佛看见了化学家们的艰辛的一面。我还读懂了我的问题的答案：“其实，发现新元素并不是非常简单的，这个过程是非常难非常辛苦的。他们无论碰到了怎样的挫折与数不胜数的困难，他们都会全力以赴的去找到破解的钥匙，都会知难而进的。而不是碰到一点点困难就退缩、放弃了。”读了这本书，我终于明白了爱迪生说的那句话：“成功等于百分之一的灵感加上百分之九十九的汗水。”

　　这本书给我留下了深刻的印象。

《艺术的故事》读后感3篇（扩展5）

——《教育是慢艺术》读后感3篇

　　“遇上好老师不仅是孩子的福分，甚至也是一个家族的福分，如果我们有这样的福分，我们一生都会有很好的方向感和一种可以汲取的最后转化成为自我提醒，自我督促的力量，我们的生命会始终围浸在人性的光泽之中。”……品读着张文质先生的字字句句，对于“生命的关注”越发让我意识其重要性，它列举的种种案例：学生轻视生命，学生自卑极端，都是缺失“人文关怀”所至，读着读着，我不禁联想起我们的学生，我的的教学，还有一些没想过或没想清的问题。虽然还是有很多问题解决，但是还是有一点收获的。

　　张文质先生的《教育是慢的艺术》这本书让我感受到了“教育的魅力在于激励与唤醒”，在思想上有了进一步的提高；首先要做教育中的有心人，教育是慢的艺术。*时要更细致、耐心些，多一些等待、思考与克制。我们要脚踏实地，善于发现，做好观察记录，捕捉更多的瞬间。其次要广泛阅读，努力付诸实践，积累经验，构建自己的认识*台。

　　教育，作为一种慢的艺术，尤其需要合理地对待学生的不足缺陷甚至错误。每个人的成长过程，就是点滴错误、点滴成绩、点滴感悟积累而至质变的过程。这个过程中充满着跌下去和爬起来。他一跌到，你就去惩罚他，而不是等待他、鼓励他自主地站起来，那他也许会耍性子，干脆不起来，等着你来拉扯他。对学生来说，错误是什么？错误是一种经历，错误是一种行为，错误是一种认识的暂缓，错误是一种履历性的成长资源。学会使用这种不可再生的资源，需要教师发挥慢的艺术。

　　任何事物都是遵循一定的规律的，循序才能渐进。张文质先生说到慢是一种教育的艺术，我觉得值得讨论。我觉得慢是一种科学，更是一种战略战术。网络上盛传着一堂美国的数学课，看过之后，真是感慨万千，浪费一堂课只学一丁点内容。不过，我总算明白了真正的数学是怎样的，而国内的算术又是如何的。

　　张文质先生书中提到“我们的教育往往过于急切的盼望着出成效，成正果，能够‘立竿见影’，缺乏期待与从容”；“我们缺乏一种悠闲的心态，缺乏闲心”。不知从何时起，我常常被超负荷的日常教学工作弄得焦头烂额。根本没有闲余时间去思考，去关注学生的发展，做教育应该做的事情。不是有言论说幼儿园学小学的，小学学中学的，中学学高中的，高中学大学的，大学却在学幼儿园的。

　　我们还会遇到一些学困生，他们之所以出现目前的这种现象，是由于很多不良的因素的影响，有的学生不愿意去学*，有的不按时完成作业，作为老师，可以先不要责怪他们，应该满腔热情的帮助他们，静下心来和他们谈心，做耐心细致的思想感情教育工作，多夸孩子，善于发现孩子的优点，正确对待孩子，从而使他们端正学*的目的，建立信心，这样才能逐渐的赶上去。但更多的时候，在对待这些孩子的态度上，我们很多教师和家长有太多的恨铁不成钢、太多的急功*利、太多的急躁和揠苗助长、太多的高期待和不理解。要知道：儿童接受教育需要一个过程，需要将外在的教育内容内化为自身的素养，一切均需在潜移默化间进行。教育恰如教孩子学步。对待学生的成长，来不得半点儿急躁，不需要越俎代庖。放手是必要的，尝试是必要的，等待是必要的。孩子还没有迈开第一个脚步，你就去牵引他，甚至一会儿捉住他的右腿，一会儿抓住他的左腿，帮他迈步，那孩子也许永远也学不会独立迈步。教育，是一种慢的艺术。慢，需要*静和*和；慢，需要细致和细腻；慢，更需要耐心和耐性。

　　“耐心”是个多好的词啊！这是我听到的最美的评价！其实，我和她一样在千头万绪的教育事件中也会有心烦的时候，但是当我们想到孩子就是在耐心等待的过程中成长的，心态就会*和了许多，看问题的角度就不一样了！让我们一起把教育现场当成生命现场去实践，一起用书中的四句话共勉：“要把教育当作一件事来做；一个人一辈子只能做一件事；一件事也不一定能做好；重要的是尽力去做，而且从具体的小事做起，做一件就是一件。”期待，足够的耐心，减少教育浮燥与功利。这才是真正的教育。张老师还提出了一个我们常忽视的问题：教师心态问题。想想自己十几年来的心态，教学成熟了些，但对孩子的热情，对教育的向往，慢慢减退了些。听周围的声音，在作业堆里，烦燥多了些，面对后进生，抱怨多了些。由此，我们教师的心情，阴沉的较多，怎样阳光地面对孩子，面对工作，在张文质先生看来至关重要，缺失的话，甚是可怕，随着阅读的深入，我的同感也越发强烈。看看我们周围不少成功的老师，都是阳光地面对孩子。每次春游，她总会“玩”在孩子群中，每次活动，都是积极参与，用心组织。算得上实足的“阳光老师”，因此得到了学生的真心真爱。“教育是慢的艺术”，让我们慢慢尝试浸润人性关怀，让我们怀揣着美好的教育理想，共做阳光师生，我们的校园定能更亮丽。

　　外出学*，少不了去名校参观，听“美女”做课，大凡做课的教师，也都是学校的“王牌”，不仅教学基本功扎实，也鲜有“丑女”。

　　事有凑巧，一次外出学*，上午下午各安排参观一所学校，上午为参观团做课的是一位漂亮时尚、影视明星般的女教师，举手投足也如舞蹈一般，很是吸引我们的眼球，课上得也算可以。下午到另一所名校，先听课，为我们做课的教师已站在讲台前，如果没有上午的美女教师做对比，我们可能不会在意这位老师的相貌，可是她长得实在太一般了，黑皮肤，小眼睛，短头发，脸稍显得长了些，长脸偏穿了“V”形领的黑西装，既不时尚，也不精神。略显拘谨地站在讲台边，招呼着进场的学生。与上午的“美女”教师形成鲜明的对比。我们在下面悄悄议论，怎么没有同事提醒她穿件漂亮些的衣服。

　　学生坐定，课也开始了。谁知，一进入上课的状态，这位“黑妹”教师很快就焕发出别样的光彩，这种光彩，不是为了当“课堂秀”而拿腔拿调的感情丰富，也不是手舞足蹈般的肢体语言配合，而是由内向外散发出的令人赏心悦目的舒服。我想来想去，这种舒服感应该叫教师味儿的美丽，她声音轻轻的，语调柔柔的，由于是刚入学不足三个月的一年级学生，她的语言还很儿童化，课堂上处处洋溢着赞扬和民主。

　　我留心了几个细节：其一，在指导学生字的笔画时，针对一年级的学生提点，往往会安排书空的环节，此时，教师一般都转过身子，背对学生书写，这样可以使自己写的和学生写的笔画一致，而这位老师运用的是镜面书空，对于老师自己来说，也就是从右往左写，这有一定的难度，不信，诸位老师可以一试。而这位“黑妹”老师非常娴熟地给面对学生做着镜面书空范写，似乎这和教师会说普通话一样寻常。其二，有一位小胖子说话结结巴巴的，一点儿也不流畅，可是在这节课上有一处发言使她大加赞赏，她先是竖起大拇指，笑眯眯的看着这个孩子，高兴地夸他：“***，你今天真是令老师刮目相看啊！”然后，又走过来，摸摸小男孩的头，小男孩甜滋滋地坐下了。在我看来小男孩的发言无论是从思维角度还是表达质量都是非常普通的，可是，教师那种丝毫不做作的真诚表扬会使孩子觉得这是了不起的回答，她注意的是孩子自己和自己的横向比较。其三，有一位小孩认读一组音节，反复了多次终于把一组全读对了，老师释然地说：“哎呀，你终于都读对了，你看，老师都要急出汗来了。”她的`释然是那么自然和真诚，说完，甜蜜地笑着，为孩子的成功显得很激动。

　　相比之下，“美女”老师的课逊色了许多，两位老师课的设计差别不大，美女教师的语言还更显生动，然而，我问了身边的几位听课教师，大家都说这位“黑妹”老师讲得好。而且大家居然和我有这样的同感——这位“黑妹”老师一上课就觉得漂亮了许多。

　　这使我想起了一个词——上镜。上镜，这个词在影视界运用得最为广泛，指的是演员在镜头前的感觉。如果一个人并不十分漂亮，可是一上镜头，就让人觉得很漂亮，这就是上镜。明星周迅就是很“上镜”的演员，她应聘演〈〈大明宫词〉〉中的太*公主时，据说看起来与导演心目中的太*还是有一定距离的，可是造型完一试镜头，人人叫绝，小太*就是她了，！这就是上镜。

　　当然，周迅本身也算是一个娇俏可爱的美女。对于女人而言，美丽，是随身携带的通行证和优惠卡，尤其是在机遇降临的紧要关头，棋逢对手的关键时刻，美丽，就是化险为夷的杀手锏，会及时地对焦灼不堪的美女亮起绿灯，温柔地把遗憾和无奈留给对手。当今赛事林林总总，主持人大赛赛的是口才，声乐大赛赛的是嗓子，模特大赛赛得是身材，可是，这些看似与“靓不靓”关系不大的赛事，美女的脸蛋总能不自觉得在赛程中为自己的分数提高几个百分点。优质课大赛似乎是与赛美丽关系最小的赛事，可是据说也有美貌赢得胜出的传闻。其实，但凡生活中美丽的人儿，镜头前当然也美丽，一上镜，“东施”变“西施”的几率也很少。但是，“上镜”现象给了我们做教师的一个提示：课堂，就是教师的“上镜”时刻！我们，应该追求“上镜”的美丽！

　　做教师很难有真正的上镜时刻，倘若真去上镜，恐怕面对黑黑的镜头要拘谨得丑态百出了。然而，那位“黑妹”为我们演绎了教师的“上镜”风采，倘若几十双求知若渴的童眸是镜头的话，那么，在课堂上，尊重学生，爱戴学生，善于引导学生，时时关注学生，把课的重心放在学生的感受和体验上，对话和发展中，为学生的成功喝彩，为学生的进步鼓掌，在学生思维阻滞时点一点，在学生认识不清时拨一拨，这种焕发在课堂中的师者真诚就是“镜头”前的独特美丽，就是教师最具职业魅力的“上镜”时刻。但是，作为老师，找到自己的“镜头感”，必须准备好两个背囊：一个里面盛满情感；另一个装满知识。

　　有幸拜读了张文质先生的《教育是慢的艺术》，感触颇深。张文质，福建闽侯人，教育学者，诗人。1983年毕业于华东师范大学中文系。系“生命化教育”的倡导人负责人。多年来致力于“生命化教育”的理论钻研和实践探究，长期植根于中小学课堂，推动*基础教育的变革和发展。在钻研和实践过程中，创办了1+1读书俱乐部，推广1+1式的读书理念。透过学*，让我深深感受到了“教育的魅力在于激励与唤醒”，首先我们要做教育中的有心人，*时，我们要更细致耐心些，多一些等待思量与节制。其次要广泛阅读，努力付诸实践，累积经验，构建自己的熟悉*台。

　　张文质先生在[教育是慢的艺术]一书中，详尽而又灵动地提炼诠释了生命化教育的理念。当他提出“教育是慢的艺术”这个观点后，很多人都提出了质疑，因为这天这个时代的确是泥沙俱下万马奔腾的年代，有人认为教育不可能有慢的耐性，更不可能有慢的境界。但是张老师认为：好的教育肯定是慢的，俗话说慢工出细活。这样的教育在我们任何人看来，兴许都会觉得都是一种理想中的教育，教育是慢的艺术，张老师很显然给出了他自己的宣告。一个字一个词，字是慢，词为艺术。张老师认为我们的教育太快啦，快在那迅速展现而又擦去的ppt上；在了教师应对这一大群叫不出名字却能把课演绎的完美而流畅上；快在了教师与校长们每一天似乎都在忙于应付各种各样事务性的事务上，快在了教师冷漠地看到教室里那些不解而又迷惑的目光上……正如那作者苦恼的快一样，我们这天的学校里。教室座位整洁，台下人头攒动，一派工业化大生产的气势。老实说的确难以看到具有生命个性的人。这也难怪作者所推崇的叶澜教授不断的发出召唤，召唤教育创新要有“具体个人”意识，召唤要在当代教育理论与实践中“人”的转向要从“抽象的人”到“具体个人。说到底快到了我们的课堂上都看不到一个个活生生的人了。慢又是一种什么样貌的课堂，什么样的教育呢？作者眼里慢是像W老师那样的”教师身体动作是慢的，说话的语速是慢的，等待学生回答问题的过程是慢的“。又如作者所说的，日本的佐藤学认为”教育往往要在缓慢的过程中才干沉淀一些有用的东西“。在*时教学活动中，速度要放慢，慢下来教师才干注重到每位学生的艰难并及时赋予帮忙，多给他们带给创新交流经验合作学*的机会，逐渐增强自信心和自我潜力。教育，作为一种慢的艺术，需要留足等待的空间和时间，需要有舒缓的节奏。高频率快节奏大梯度，不利于学生的有序成长和发展。

　　张文质老师倡导“生命化教育”。在当今教育界为越来越多的人所关注。“生命化教育”，简单地讲，就是把对学生的的理解关爱信任成全，在具体的教育过程中体现出来；它不是仅仅停留在理念上的表达和理解，它务必在具体的实践过程中体现出来。

　　“生命化教育”的实现包括主观和客观两个方面：起主观作用的，就是教师。教师要关注每个独立的学生个体，不仅仅要尊重善待学生，还要钻研学生特点；在注重全体学生知识获得的同时，还要注重学生个体发展的差异，根据学生不同的认知风格，带给与之相匹配的教学方法；关注学生异常的情绪变化，及时发明问题解决问题；注重情感交流；注重师生互动交流，引发思量……客观条件，就是课堂环境，教学空间。张文质在[教育是慢的艺术]一文里的一段话：美国教育家博耶说，学校还是小的好。那么“小“到什么程度为好呢？”小到学校所有师生都能彼此叫出对方的名字，亦即人数操纵在二三百人内为最佳”。博耶又说：“当班生数超过30个人时，教师的注重中心就从对个体的关注转为对班级的操纵。”这些见解都令人感佩。但博耶必须想不到，在*有那么多“名师”能够在叫不出一个学生名字的状况下也能把“课做得神采飞扬”，他更不可能想到一些更厉害的“名师”竟能够在体育馆数千名观众面前在叫不出一个学生名字的状况下把“课做得神采飞扬”，也许，从某种好处上说，这正是*教育胜过美国教育“难能可贵之处”。

　　假如教学课堂环境没有保障，首先就给教师组织课堂带来了艰难，信息的传输呈单向化而不是多样化，“生命化教育”也就成了一句空话；而一味地强**学质量，并以此作为衡量教师业绩的标准之一，也是对教师的不公，因为能把”课做得神采飞扬“的老师究竟是少数。以”生命化教育“为理念，就要做到主观与客观的结合；既要强**师的主观作用，又要营造良好的关注学生独立个体的空间，把“生命化教育”具体落实到教育过程中的每一细节和实处。

　　教育是慢的艺术。在教学上，教师要慢慢地去感悟，就像为人父母，育人的经验也是慢慢感悟出来的。一个好教师，应是偶有所得，有些独特的理解独特的发明，然后顺着这种正道，终成大器。教育是些潜移默化潜滋暗长的东西。功利的教学都是短暂的，不关注长远的，不关注正确的教育价值取向的。我们的教学钻研，也是慢的艺术，有所发明，有所专心，慢慢地去做。这个慢，就是让学生感受体验过程，构成良好的学**惯。这个慢，就是不急于求成，要有足够的期盼，足够的耐心，减少教育浮燥与功利，这才是真正的教育。

《艺术的故事》读后感3篇（扩展6）

——《钱学森的故事》读后感3篇

　　20xx年神舟7号载人飞船发射成功，每当这件事从我的脑海中掠过时，我就会想起那位被誉为“航天之父”，“科学泰斗”——钱学森。今天，我又读起了《钱学森的故事》，不禁陷入了沉思。当时的“上海交通大学”非常重视分数，初入交大的钱学森也不甘落后，成绩在班上名列前茅。一年暑假后期，钱学森患了伤寒病，只好休学一年。可在这一年里，他买了许多书，在家里认真阅读。凭着这种精神，他又考取了清华大学公费留学，主政飞机设计专业。钱学森怀着复杂的心情离开了*，去美国学技术，在美国的留学期间，他刻苦专研，成绩不但比美国人好，还比外国人都好。这让他觉得作为一个*人是多么的自豪！今天，我又读起了《钱学森的故事》，不禁陷入了沉思。当时的“上海交通大学”非常重视分数，初入交大的钱学森也不甘落后，成绩在班上名列前茅。一年暑假后期，钱学森患了伤寒病，只好休学一年。可在这一年里，他买了许多书，在家里认真阅读。凭着这种精神，他又考取了清华大学公费留学，主政飞机设计专业。钱学森怀着复杂的心情离开了*，去美国学技术，在美国的留学期间，他刻苦专研，成绩不但比美国人好，还比外国人都好。这让他觉得作为一个*人是多么的自豪！

　　1949年10月1日，中华人民共和国成立了。钱学森知道了这个好消息，就要立刻回国，他情愿放弃国外的优厚待遇，也要回归祖国。当时美国海军次长金希尔说：“钱学森无论走到哪里都低得上5个师的兵力，我宁可把他击毙在美国，也不让他离开。”读到这里，我想大家气得心里咚咚跳，牙齿咬得咯咯响，太可恶了！

　　“我是*人，我要报效祖国。”最后，钱学森终于克服了重重困难，投入了祖国的怀抱中，和人民共同呼吸，共同患难，有福同享有难同当，一心只想着报效自己最挚爱的祖国。

　　然后，“我国第一颗人造卫星飞上了天空，第一枚州际导弹发射成功。”钱学森倾注大量的心血。由于钱学森回国效力，*导弹，原子弹的发射里至少向前推进20年。被誉为“*导弹之父”，“导弹之王”。

　　“我是*人，我要报效祖国。”我想：钱学森爷爷一句简单而普通的话，却让我们大家读完这故事后从心底涌出天大的自豪感，对祖国的热爱和对钱学森爷爷的敬佩之情。当然，我们作为新一代的*少年更要努力学*，长大后向钱学森爷爷一样报效祖国，把祖国的明天建设更好！

　　无论你是怎样的人，心里都要眷恋着祖国，心里首先要想着报效祖国，热爱祖国。

　　20xx年神舟7号载人飞船发射成功，每当这件事从我的脑海中掠过时，我就会想起那位被誉为“航天之父”、“科学泰斗”——钱学森。今天，我又读起了《钱学森的故事》，不禁陷入了沉思。当时的“上海交通大学”非常重视分数，初入交大的钱学森也不甘落后，成绩在班上名列前茅。一年暑假后期，钱学森患了伤寒病，只好休学一年。可在这一年里，他买了许多书，在家里认真阅读。凭着这种精神，他又考取了清华大学公费留学，主政飞机设计专业。钱学森怀着复杂的心情离开了*，去美国学技术，在美国的留学期间，他刻苦专研，成绩不但比美国人好，还比外国人都好。这让他觉得作为一个*人是多么的自豪！今天，我又读起了《钱学森的故事》，不禁陷入了沉思。当时的“上海交通大学”非常重视分数，初入交大的钱学森也不甘落后，成绩在班上名列前茅。一年暑假后期，钱学森患了伤寒病，只好休学一年。可在这一年里，他买了许多书，在家里认真阅读。凭着这种精神，他又考取了清华大学公费留学，主政飞机设计专业。钱学森怀着复杂的心情离开了*，去美国学技术，在美国的留学期间，他刻苦专研，成绩不但比美国人好，还比外国人都好。这让他觉得作为一个*人是多么的自豪！

　　1949年10月1日，中华人民共和国成立了。钱学森知道了这个好消息，就要立刻回国，他情愿放弃国外的优厚待遇，也要回归祖国。当时美国海军次长金希尔说：“钱学森无论走到哪里都低得上5个师的兵力，我宁可把他击毙在美国，也不让他离开。”读到这里，我想大家气得心里咚咚跳，牙齿咬得咯咯响，太可恶了！

　　“我是*人，我要报效祖国。”最后，钱学森终于克服了重重困难，投入了祖国的怀抱中，和人民共同呼吸，共同患难，有福同享有难同当，一心只想着报效自己最挚爱的祖国。

　　然后，“我国第一颗人造卫星飞上了天空，第一枚州际导弹发射成功。”钱学森倾注大量的心血。由于钱学森回国效力，*导弹，原子弹的发射里至少向前推进20年。被誉为“*导弹之父”，“导弹之王”。

　　“我是*人，我要报效祖国。”我想：钱学森爷爷一句简单而普通的话，却让我们大家读完这故事后从心底涌出天大的自豪感，对祖国的热爱和对钱学森爷爷的敬佩之情。当然，我们作为新一代的*少年更要努力学*，长大后向钱学森爷爷一样报效祖国，把祖国的明天建设更好！

　　无论你是怎样的人，心里都要眷恋着祖国，心里首先要想着报效祖国，热爱祖国。

　　20xx年神舟7号载人飞船发射成功，每当这件事从我的脑海中掠过时，我就会想起那位被誉为“航天之父”，“科学泰斗”——钱学森。

　　今天，我又读起了《钱学森的故事》，不禁陷入了沉思。当时的“上海交通大学”非常重视分数，初入交大的钱学森也不甘落后，成绩在班上名列前茅。一年暑假后期，钱学森患了伤寒病，只好休学一年。可在这一年里，他买了许多书，在家里认真阅读。凭着这种精神，他又考取了清华大学公费留学，主政飞机设计专业。钱学森怀着复杂的心情离开了*，去美国学技术，在美国的留学期间，他刻苦专研，成绩不但比美国人好，还比外国人都好。这让他觉得作为一个*人是多么的自豪！今天，我又读起了《钱学森的故事》，不禁陷入了沉思。当时的“上海交通大学”非常重视分数，初入交大的钱学森也不甘落后，成绩在班上名列前茅。一年暑假后期，钱学森患了伤寒病，只好休学一年。可在这一年里，他买了许多书，在家里认真阅读。凭着这种精神，他又考取了清华大学公费留学，主政飞机设计专业。钱学森怀着复杂的心情离开了*，去美国学技术，在美国的留学期间，他刻苦专研，成绩不但比美国人好，还比外国人都好。这让他觉得作为一个*人是多么的自豪！

　　1949年10月1日，中华人民共和国成立了。钱学森知道了这个好消息，就要立刻回国，他情愿放弃国外的优厚待遇，也要回归祖国。当时美国海军次长金希尔说：“钱学森无论走到哪里都低得上5个师的兵力，我宁可把他击毙在美国，也不让他离开。”读到这里，我想大家气得心里咚咚跳，牙齿咬得咯咯响，太可恶了！

　　“我是*人，我要报效祖国。”最后，钱学森终于克服了重重困难，投入了祖国的怀抱中，和人民共同呼吸，共同患难，有福同享有难同当，一心只想着报效自己最挚爱的祖国。

　　然后，“我国第一颗人造卫星飞上了天空，第一枚州际导弹发射成功。”钱学森倾注大量的心血。由于钱学森回国效力，*导弹，原子弹的发射里至少向前推进20年。被誉为“*导弹之父”，“导弹之王”。

　　“我是*人，我要报效祖国。”我想：钱学森爷爷一句简单而普通的话，却让我们大家读完这故事后从心底涌出天大的自豪感，对祖国的热爱和对钱学森爷爷的敬佩之情。当然，我们作为新一代的*少年更要努力学*，长大后向钱学森爷爷一样报效祖国，把祖国的明天建设更好！

　　无论你是怎样的人，心里都要眷恋着祖国，心里首先要想着报效祖国，热爱祖国。

《艺术的故事》读后感3篇（扩展7）

——人生的艺术化读后感3篇

　　老师课上问如何理解人生的艺术化，当时并没有认真思考。下课后回寝室的路上，又想起来这个问题，想谈谈自己的看法。

　　按照朱光潜的理解，人生的艺术化在于和谐，那么人生应当不存在绝对的艺术化，因为人生本身就是矛盾的。浪漫主义诗人李白的人生应当是具有艺术化的，他的生活豪放洒脱，他做他喜欢做的事，但是他的生活就是和谐的吗？他就没有烦恼吗？答案很显然是否定的。再看历史上十大奸臣之一的秦桧，他因为以莫须有的罪名陷害岳飞而遗臭万年。然而这样的一个人却诗文天下，这样看来他的生活也挺艺术的。那么凭什么说李白的人生艺术化而秦桧的就不艺术呢？

　　我是这样理解这个问题的：这里我们说的是人生的艺术化，而不是生活的艺术化。想达到生活的艺术化很简单，想达到人生的艺术化却很难。

　　以上我们说的是大众标准的艺术化人生，其实有些人生并不为大众赞赏，但是依旧具有它的艺术性。比如有些人工作并没有什么成就，生*也没有什么突出贡献。既没有日复一日的默默奉献，也没有刹那间人性光辉的闪耀。但是他过得充实、欢乐，虽没什么建树却扎扎实实，这样也是一种艺术。

　　最后，我想说的是：人活着，无论怎么活都可以活得很艺术，就算没有达到人生的艺术化，生活有点小艺术也是很好的。所谓人生的艺术化，就是说人生要懂得发现美。说白了，人活得乐观了也就活出了人生的艺术。

　　这几周一直学仰望星空这个专题，当年我高考的作文题就是仰望星空与脚踏实地，当时写得一塌糊涂。高考结束后的夜晚我常常仰望，只看到“空”，却不见“星”。可能是城市的灯光让人看不到星星，正如当今社会太多耀眼的事物让人无法看见所谓的理想。

　　老师课上问如何理解人生的艺术化，当时并没有认真思考。下课后回寝室的路上，又想起来这个问题，想谈谈自己的看法。

　　按照朱光潜的理解，人生的艺术化在于和谐，那么人生应当不存在绝对的艺术化，因为人生本身就是矛盾的。浪漫主义诗人李白的人生应当是具有艺术化的，他的生活豪放洒脱，他做他喜欢做的事，但是他的生活就是和谐的吗？他就没有烦恼吗？答案很显然是否定的。再看历史上十大奸臣之一的秦桧，他因为以莫须有的罪名陷害岳飞而遗臭万年。然而这样的一个人却诗文天下，这样看来他的生活也挺艺术的。那么凭什么说李白的人生艺术化而秦桧的就不艺术呢？

　　我是这样理解这个问题的：这里我们说的是人生的艺术化，而不是生活的艺术化。想达到生活的艺术化很简单，想达到人生的艺术化却很难。

　　以上我们说的是大众标准的艺术化人生，其实有些人生并不为大众赞赏，但是依旧具有它的艺术性。比如有些人工作并没有什么成就，生*也没有什么突出贡献。既没有日复一日的默默奉献，也没有刹那间人性光辉的闪耀。但是他过得充实、欢乐，虽没什么建树却扎扎实实，这样也是一种艺术。

　　最后，我想说的是：人活着，无论怎么活都可以活得很艺术，就算没有达到人生的艺术化，生活有点小艺术也是很好的。所谓人生的艺术化，就是说人生要懂得发现美。说白了，人活得乐观了也就活出了人生的'艺术

　　这几周一直学仰望星空这个专题，当年我高考的作文题就是仰望星空与脚踏实地，当时写得一塌糊涂。高考结束后的夜晚我常常仰望，只看到“空”，却不见“星”。可能是城市的灯光让人看不到星星，正如当今社会太多耀眼的事物让人无法看见所谓的理想。

　　记得有这样一个问题：有一个机会能让你知道自己的人生结局，你是选择它还是放弃它？

　　过去，我会选择放弃它。都知道结局了，还有什么可努力可期待的呢？人生不就没意义了吗！可读了朱先生的这篇文章后，我动摇了。我的选择是否正确。

　　记得有句广告词这样说：“人生就像是旅行，重要的不是目的地而是沿途的风景以及看风景时的心情。”也还记得曾经看过这样一个故事“主人公是一个20多岁的公司小职员，某天他接到一封神秘的广告单，上面有一个电话号码，拨打这个号码就可以用青春来换的任何结。于是，他拨打了这个号码，用五年时间换来了成为这家公司的经理的结果。不久，他又拨打了号码，用十年时间换到了使公司成为大公司的结果，第三次，他用两年的青春换到了妻子和一个可爱的儿子，当他再次拨打时，对方告诉他，他的可换时间已到尽头，无法再用，这项服务也随之关闭。此时，他已是一个年过半百的老人，他放声大哭，妻子问他为何哭，他说，他虚度了一生。妻子说，你的一生很辉煌，何来虚度？他含泪喊道，我的人生没有过程，只有结局，怎么不是虚度啊！”这些又都和朱先生的这篇文章不谋而合。

　　种种事例都在提醒着我，过程比结果更重要。

　　还是那个问题，现在，我会回答选择它，然后继续我的生活，感受达到这个结果的过程。

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